摘要:聚焦中国传统“五行、五色”体系,以《周易》哲学为核心视角,从象数、气论、阴阳三维度梳理其哲学基础。象数维度中,“象”赋五色意义、“数”定秩序、八卦融时空;气论维度中,色彩为“气”的视觉显象,五行生克促流转,“望气”为实践延伸;阴阳维度中,色彩分野显阴阳,黄色尊于“中和”,体系含“变易”与“不易”。研究弥补现有薄弱环节,深化传统色彩智慧认知,为现代领域提供东方哲学资源,推动易学“返本开新”,彰显中国特色哲学范式。
摘要:从宋代开封到明代苏州,仇英本《清明上河图》叙事场景的转变背后,是从张择端到仇英这一创作主体的转变,也是从以士大夫为主导的“庄重叙事”转变为体现文人意趣并面向市场的文化商品所具有的“商业叙事”。在仇英本《清明上河图》关于市井风貌的描绘中,大到苏州城市水陆并行的城市格局,小到人物的衣冠、商铺中陈列的器物,以及商铺、集市等场所的分布,我们可以看到具有江南特色的城市布局、建筑风格和诸如商品生产、运输、交易等商业活动。在商品经济、书画市场日趋成熟的明代苏州,以仇英为代表的吴门画家们积极投身于书画市场之中,仇英本《清明上河图》不仅是商品经济在艺术创作中的典型代表,更是消费文化兴起、士商身份交融与社会价值观念转型的生动见证。
摘 要:本文以任惠中人物画为研究对象,围绕西方写实语言介入后当代水墨人物画的造型转化问题展开分析。通过文献梳理与作品个案分析相结合的方法,重点考察其在结构理解、体积建构与笔墨表现之间的转换机制。文章认为任惠中通过“局部强化”的造型策略,使写实因素主要承担人物存在感的支撑功能,同时将其余部分纳入水墨节奏之中。然后归纳其转化路径:一是以笔墨内化结构关系,避免造型对笔墨的压制;二是通过概括与取舍削弱光影与细节的扩张;三是以整体气韵统摄人物形象。写实经验只有在被转化为线、墨、虚实与节奏的内部因素后,才能成为水墨人物画发展的有效资源,从而实现造型机制的重组与语言更新。
摘 要:在宗白华关于古典审美空间的研究中,“气韵”“生机”“生命精神”等表述反复出现,暗示着“动”与“力”的存在,但其本质、来源及运作机制始终未被清晰地阐明。而回到宗白华《中国诗画中所表现的空间意识》中可知,宗白华所说的“空间”本质上是“动”的,“动”是其存在方式;而驱动“动”并使审美主体得以感知运动趋势的,是一种可被分析的“力”,其源自《周易》的往复回环之势,在感知层面也具有现象学意义上的实在性。对“动”与“力”的澄清,一方面论证了中国艺术美感的必然性,另一方面也为重新阐释“意境”理论中的“生命情调”提供了可操作的分析路径。
摘要:“高贵的单纯,静穆的伟大”是18世纪人们对古希腊罗马雕塑的共同感知,温克尔曼通过分析拉奥孔将这一短语提升为古希腊艺术的理想美核心,并在一系列的论著中构建了他的空间美学。对巴洛克“过度”空间的批评立场和对古罗马遗迹的考古学凝视构成了温克尔曼观看的空间。通过艺术敷词与海喻的具象化空间,温克尔曼则将三维的物质艺术转化为二维的文本符号,并借由其理想的空间生成了新古典主义的范式。本文试通过分析观看的空间、书写的空间以及理想的空间构建温克尔曼的空间美学,阐释以“高贵的单纯,静穆的伟大”为核心的新古典主义范式。
摘要:《松荫谈道图》是故宫博物院所藏的一幅宋代无款画作,它以儒、释、道三人于松荫下论道的场景,为研究三教关系提供了珍贵的图像证据。三教图像作为研究“三教合一”所不可忽视的图像文献,折射出各个时期三教间的相互关系。本文通过对画作中人物形貌、空间构建与位置布局三个维度的细致解读,旨在揭示其形式背后所蕴含的深刻文化隐喻。此图通过对论道图示的构建,彰显了儒家在这场思想对话中的主导性。
摘要:皴法是中国山水画的核心笔墨语言,不仅是塑造山石肌理的技法形式,更是承载山水审美与画家精神追求的关键载体。本文以山水画皴法为研究对象,先梳理披麻皴、斧劈皴等经典柔性、刚性及综合皴法的技法特征,明晰其笔墨形式差异。进而从三个维度,剖析皴法传达自然神韵、承载画家情感、构建山水精神空间的精神内涵表达路径。同时深入探究皴法与“天人合一”思想的融合,以及其对“澄怀味象”的审美追求、“托物言志”的艺术表达、“气韵生动”的审美标准的呼应,总结其对当代山水画创作的启示。皴法实现了笔墨技法与精神意蕴的统一,是山水画艺术品格与精神内核的重要体现,为传统山水画笔墨传承与当代创新提供了理论参考。
摘要:沈尧伊作为当代著名画家,毕生创作大量长征题材美术作品。分阶段梳理他被世人所熟知的关于长征题材的美术作品。结合他的创作意图,解析其精益求精的创作理念和持久不断的创作动力。深入阐释其美术作品中蕴含的长征精神,完整发掘长征精神在不同时代焕发的艺术价值及对后世创作长征题材美术作品的启迪。
摘 要: 西南联合大学是中国抗战时期著名的教育阵地, 不仅传承了 “刚毅坚卓” 的精神内核, 也通过纪念碑、人物雕塑等视觉文化形态, 将抗战记忆与民族精神结合起来。云南师范大学西南联大旧址中的蒋梦麟、梅贻琦、张伯苓、闻一多等人物雕塑,以及国立西南联合大学纪念碑等公共雕塑, 都共同展现出了西南联大精神。本文以西南联大旧址雕塑群为研究对象, 结合抗战时期的历史背景, 从雕塑的形象塑造、空间叙事、精神象征与历史记忆等层面展开分析, 探讨西南联大雕塑如何通过视觉语言完成抗战精神的当代表达。西南联大雕塑并不仅仅是历史人物的纪念性再现, 而是在公共空间中建构民族精神传承爱国主义精神的重要媒介, 也是中国现代文化记忆的重要组成部分。
摘要:“情耕中原——刘杰艺术作品展”是兼具纪念性、文献性与时代性的展览,是对刘杰先生艺术人生和美术工作进行总结与致敬的温情展。文章以此次展览为基础,回望刘杰先生的艺术人生与创作成就。特别是在观察其油画创作演进过程的基础上,剖析其回归乡土的艺术主张,阐释其恪守本真、大道至简的美学精神。
摘要:从民间而来的海派画家王一亭与京派画家齐白石因特定的时代条件、生活际遇及审美趣味不约而同与佛结缘。王一亭作为虔诚的佛教居士林,其佛心源于家庭熏陶与生活苦难,他践行“人间佛教”理念,将艺术与慈善事业结合。他的佛像画风格形式多元、个性鲜明,兼具艺术价值与社会价值;齐白石无明确宗教信仰,却心向佛。他佛像画创作以市场需求及对文人画超凡风格的追求为导向,佛像表现形式较单一而充满纯真质朴趣味。二者均推动近代佛教绘画后世俗化、人性化转型,折射出传统文人画向现代演进的时代特征,也彰显了传统派画家在动荡年代对社会现实与生命精神的差异化表达。
摘 要:“计白当黑”的创作理念最早由清代碑学大师邓石如先生提出,核心在于艺术表现中空白与笔墨同等重要,这一黑一白也构成了阴阳之意和虚(白)实(黑)相生,随之广泛运用于书法和中国画中,成为中国书画普遍的审美原则。尽管“计白当黑”的概念形成于清代,但思想根源可以追溯到先秦道家“有无相生”和“知白守黑”哲学。其美学精神也早已在敦煌莫高窟壁画千年创作实践中得到充分表现——从唐代经变画中佛像面部神韵,到五代壁画虚实平衡构图,再到五代佛本生故事留白,通过中原技法和西域技法的相融实现“虚中有实,实中见虚”这种艺术效果。这一发现打破“计白当黑”只适用于文人水墨画的刻板印象,同时也为理解敦煌艺术提供一个具有中国本土特色的新视角。
摘 要:二十四孝是中华传统孝文化的经典文本,其中“丁兰刻木事亲”的叙事随时代持续演变,故事冲突由早期邻里复仇逐步转向家庭内部伦理约束,是传统孝文化在中国社会中的独特体现。该故事传入日本后,本土改编大幅弱化复仇线索,重点增设妻子悔过段落,形成以家庭和睦为核心的伦理叙事。以图像学视角考察可见,丁兰相关视觉图像作为孝道跨文化传播载体,在传播过程中完成图式、内涵双重改造,直观映照出中日两国孝观念与家庭伦理的内在分野。
摘要:元代是中国社会历史中一段特殊的时代,蒙元政权建立后,实行民族歧视政策,并取消了科举制度,切断了文人入仕的途径。在这样的环境下,文人“隐逸”风尚盛行,借书画抒怀遣兴,中国山水画迈入新的发展阶段,即由“无我之境”向“有我之境”的转变。元画中开始出现寄寓文人隐逸情怀的渔父形象。吴镇在元四家中最具孤诣,山水画方面好作《渔父图》,“渔隐”情怀可以说是吴镇山水画中最为明显的一个特征。无论是画中的点景人物,还是画中题画诗都表达出画家的隐逸情怀。这是一种超然物外的纯粹,于天地山水间托寄形骸,格物省身。本文试图从吴镇《渔父图》系列画作的构图、笔墨、意境营造三个方面分析吴镇画作艺术特色及其渔隐情怀,包括吴镇作品中“渔父”形象在后世的流衍与影响。
摘 要:陈书作为明末清初知名的画家,在花鸟人物山水各科绘画上都有很高的建树,作为清代女性画家的楷模,陈书一直是被称颂的存在。自传统画史被写作以来,绘画品评与画史的编纂与王朝正统思想的价值取向一直保持着一致性,这是画史写作方法的“千年一贯制”。但自近代思想解放后,传统道德评价体系崩塌,陈书的历史形象与价值得以被重新审视。本文从多角度出发,重新去认识历史中的陈书。
摘要:郭熙《早春图》创作于熙宁变法初期,被认为蕴含着与时代变革相关的意涵。全画共设13处点景人物,其中“骑驴者”形象尤为特殊,现有研究对其内涵的专门探究较为有限。本文先考证该形象为北宋“重戴”官员,进而从三个维度展开分析:其半掩于山石、将渡桥梁的状态,体现北宋士大夫的“朝隐”思想;所处的“三远”视线汇聚位置,凸显北宋文官地位的提升;朴素的出行状态,则反映了当时社会的节俭之风。该研究可为学界进一步解读《早春图》的思想主旨提供参照。
摘要:数智时代,人工智能艺术层出不穷,如何通过分析历史规律把握技术迭代下艺术创作的时代脉搏?回望历史,19世纪末20世纪初是技术高速发展的时代,社会风貌、艺术创作活动的巨变为各领域的创新发展埋下伏笔。探索强大技术推动力下创作者如何感知世界、寻找创作活动的突破口并最终形成新的创作生态是每个高速变革时代的命题。本文以贾科莫·巴拉的创作形式嬗变机理为切口,剖析感知、系统、环境三维度缘由,探寻技术和艺术高度碰撞时代下二者的可供性关系。艺术创新既非技术决定论,也非人类中心主义。
摘要:作为印象派的代表画家,雷诺阿在其艺术创作的后期几经风格转型。浴女题材贯穿了其创作的始终,因此成为了洞悉雷诺阿风格转型的清晰线索。本文选取雷诺阿“类安格尔时期”“珍珠时期”与“卡涅时期”的代表性浴女作品,通过形式分析的方法,探讨其如何超越印象派,回溯古典传统风格转变的。结合历史资料,研究深入分析其后期绘画风格转变的原因及其局限。雷诺阿后期的突破在于将印象派色彩与古典主义造型相结合,并引入了健康丰腴的审美范式。但是,对于感官愉悦的过度追求导致雷诺阿后期作品在情感深度与现代性探索方面有显著缺失。
摘要:东周时期各国文字不仅在字形方面呈现地域差异,在字体风格上亦存在不同之处,这一特点在墨迹文字中体现得尤为明显。东周五系文字中,齐、晋、楚、秦四系皆有墨迹文字材料存世,为研究东周时期各系文字的字体风格提供了重要材料。
摘 要:韩愈、柳宗元的咏书诗不仅是唐代咏书文学的重要组成部分,更蕴含着深厚的道家思想。已有研究多聚焦其艺术审美与书法技艺,对其中道家底色的系统挖掘尚显不足。本文以韩柳咏书诗为核心文本,结合中唐社会文化语境,运用文本细读与比较研究法,探析道家思想在韩柳咏书诗中的具体呈现、个体差异与共性特征。韩柳咏书诗的道家底色集中体现为“自然”的创作本源、“无为”的创作状态、“逍遥”的精神境界与“朴拙”的审美取向。韩愈的道家底色凸显批判性,以道家“自然”反抗功利书风与儒学教条;柳宗元则呈现融合性,将道家“自然”与儒家“仁政”相贯通。二者的共性折射出中唐文人的精神困境与突围诉求。
摘 要:清代常茂徕《怡古堂文钞》手稿本,现藏河南大学图书馆。内容主要涉及学术考辨与题跋,乡邦文献叙录与纪实,三是书信与赠序;四是传记与行状。为地方官员、亲属、乡贤所作的传记、行述、墓志铭等。不仅具有人物史料价值,也反映了常茂徕的道德观、人才观及其对地方社会的观察;五是杂记与感怀。《怡古堂文钞》中收录三篇印学文论,为研究清代中期以来,河南地区的印人、印人交游、印谱提供了重要的文献资料。但序言中多谈及印人、交游等问题,对篆刻艺术本体的评价却很少,亦可知常茂徕对篆刻艺术技法的把握还是比较薄弱的。
摘要:在当代艺术多元语境下,书法实验性创作成为其当代转型的重要路径,但材料、形式、观念的全方位突破却导致美学边界模糊。本文以书法实验性创作的美学边界为研究核心,厘清传统书法的美学内核与边界特征,系统分析语言、媒介、观念三个层面的实验性突破路径与合理限度,建构“汉字、书写性、审美”三维度边界判定体系,提出批评话语、学院教育、创作实践的守界路径。研究结果表明,书法实验性创新的前提是坚守本体底线,美学边界的弹性是书法发展的动力,核心价值在于实现传统书法与当代语境的良性对话,为书法的当代创新提供理论支撑与实践指引。
摘 要:南阳烙画作为国家级非物质文化遗产,历史悠久、工艺精美,制作方式独特。但随着社会的发展,与大部分非物质文化遗产的现状类似,南阳烙画的传承与发展面临着传承方式单一、知名度不高、题材缺乏创新等困境。通过对南阳烙画的现状进行实地调查,结合南阳烙画的历史与发展和南阳烙画的价值,对其发展现状及传承保护,有针对性地提出发展策略,希望能引起社会各界的关注,更好地传承和发展这一宝贵的非物质文化遗产。
摘 要:探究西南地区三类代表性漆器(成都漆器、凉山彝族漆器、贵州大方漆器)的色彩特征,阐释其与传统工艺及地域文化之间的内在关联。以西南地区三个具有代表性漆器为研究对象,使用K-Means聚类算法提取漆器图像的主色,构建色彩网络模型;其次,在HSV色彩空间中分析其色相、饱和度与明度分布特征;进而分析西南漆器的色彩符号构成特点,探究西南漆器色彩符号的构成形式与规律。以数据和图表形式呈现西南地区三种代表性漆器的色彩搭配及其规律,能够较为客观、准确地反映出西南漆器三个代表性地区漆器的区域特征及设计理念。研究结果可为设计师提供大量色彩搭配参考方案,为西南漆器的再设计应用及非物质文化遗产传承再创新提供参考价值。
摘 要:“陵阳公样”作为唐代织锦纹样的典型代表,由“陵阳公”窦师纶主持设计,其独特价值在于实现了本土审美与外来文化的创造性融合。该纹样通过动物、植物及几何图案的巧妙组合,形成了层次分明、立体感强的装饰特征,体现了唐代织锦工艺的精湛水平。在唐代社会经济繁荣与丝绸之路贸易兴盛的双重背景下,此类纹样不仅成为当时服饰文化的重要载体,更折射出多元文化交融的时代特征。文章以“陵阳公样”为研究对象,通过梳理其创制背景、解析纹样构成特征,结合唐代社会制度与中外文化交流脉络,探讨其纹样演变,进而揭示其背后所承载的唐代社会审美风尚与文化融合。
摘 要:门神是中国古代社会“门”文化的重要体现,秦琼、尉迟敬德作为最具代表性的武将门神,其形象在不同地域的木版年画中呈现出显著差异。本文以陕西凤翔木版年画中秦琼、敬德门神画为研究对象,从地域性形象考证的角度出发,通过与天津杨柳青、河南朱仙镇、江苏桃花坞等年画产区的比较,重点考证凤翔秦琼、敬德形象在造型、服饰、色彩三个维度的地域性特征,探讨社火文化、秦腔艺术与关中农耕文化对其地域性形象的生成机制,以揭示凤翔门神画所承载的西北民间审美与地域文化内涵。 关键词:凤翔木版年画;秦琼;尉迟敬德;门神;地域性形象
摘 要:山东诸多地区的传统年画完成了从民间信仰载体和区域特色产业到审美文化物象的发展嬗变,在农耕社会中,这一物象兼具民俗信仰与群体生计等实用功能,在近代多元文化冲击、非遗价值体系重构与民间艺人的主动调适等多重因素的加持下,逐渐向审美文化符号转型。这一转向既是在历时性发展中社会语境转变的结果,也是民间艺人适应市场需求变化的顺势而为,不仅反映了民俗文化的强大生命力,还能够凭借此种民俗物象的流变轨迹窥探该区域社会的发展变迁。
摘要:在 AIGC 技术浪潮深刻影响艺术创作与教育生态的当下,中国画专业教学正面临“技术赋能”与“本体守护”的辩证性挑战。本文聚焦 AI 技术融入中国画专业教学的命题,构建一个以“守正创新”为核心理念的实践框架。确立了 AI 时代中国画教学必须坚守的价值本体,即“气韵生动”的精神内核、“笔墨躬行”的技法体系与“人文引领”的师生主体性。其次,系统辨析了 AI 应用的实践边界,明确划定了“禁区”,为教学实践设立了必要的伦理与操作红线。最后,提出了一个以价值理性为主导的“人机共生”系统性实践路径。通过系统性的融合设计,使 AI 从潜在的“替代性威胁”转化为高效的“赋能性伙伴”,最终服务于培养兼具传统功底与创新能力的中国画传承者这一根本教育目标。
摘 要:作为数字中国战略不可缺少的一环,教育领域正迅速向数字化转型,并对课程建设提出了全新的要求。然而,当前教育数字化的转型过程仍面临一系列现实困境。积极采纳并理性应用 AI 这一革命性技术,不仅需要从思想层面进行深刻理解、推动数字化升级和构建创新性环境,还必须警惕潜在风险,探索合理的策略以应对挑战。通过实际案例,将数字化深度融入建筑学美术课程,从选择主题、设定目标和实践操作、设计互动教学活动到进行教学反思的四个关键环节,以期促进教育数字化转型的实现路径。
摘 要:针对中国美术史教学从资源数字化向认知模式创新转型的需求,本研究回归“格物致知”传统,构建“即物-穷理一体认-贯通”的认知框架,以《溪山行旅图》为个案,探索AI标注、GIS与知识图谱、VR及生成式AI的教学融合路径。研究表明,数智融合可革新教学模式、涵养人文素养,但同时需恪守技术边界、坚守人文内核,为美术史教学转型提供新路径。
摘 要:文章以抗战时期内迁重庆的(1937-1945)国立中央大学艺术系西画课程体系为核心研究对象,结合抗战全面爆发后中央大学西迁重庆的特殊历史语境,梳理该时期西画课程的设置脉络、师资构成、教学内容与实施特点,剖析课程体系在战争环境下的调整逻辑、核心理念与实践路径,弥补战时专门美术教育的不足,探究其在写实主义美术教育本土化、艺术救亡与人才培养中的作用,同时总结该课程体系的历史局限性与当代艺术教育的借鉴价值,还原抗战时期高等西画教育的真实面貌,丰富中国近代美术教育史的研究维度。
摘 要:当打卡从一种自发行为内化为美术馆的隐性运营指标,它便开始反向规训空间与展览本身。苏州博物馆以常设展维持学术底线,同时不断开辟“打卡友好”的特展第二战线;木心美术馆以拒绝流量的姿态坚守内容纯粹,却因其稀缺性反向制造了更持久的打卡驱动力。两座场馆殊途同归,共同印证了一个空间生产打卡,打卡重塑内容的闭环。在这一共构关系中,展览的自主性正在被悄然蚕食——那些难以转化为视觉符号的深度内容,正在策展人的自我审查中退场。但两座场馆中那些不参与打卡逻辑的飞地也证明,另一种观看与另一种展览仍有可能。
摘 要:在文化创新和艺术创作的时代大背景下,AI图像生成技术为公共艺术创作带来了高效创新的做法,以北京国际雕塑公园“城·野共生”锻铜浮雕壁画作为实践的对象,讲解AI图像生成在前期资料整理、视觉符号提取、灰度图生成、浮雕造型创建、场景渲染和细节优化整个流程的辅助办法,明确技术与传统锻铜工艺融合的有效路径。AI图像生成有助于提升公共艺术创作效果、拓展创意方式、降低试错成本,给锻铜浮雕类公共艺术智能化创作提供能落地的实践模式,也给传统工艺与智能技术融合提供理论上的参考。